INFORMAÇÕES BÁSICAS DO CONTEÚDO
Tempo de leitura: 6–9 minutos
Gênero: Crítica / ensaio sobre HQ, animação e folclore filipino

RESUMO
O texto apresenta “Trese” como uma porta de entrada adulta para o folclore e a sociedade filipina, em contraste com o sucesso mais pop de “K-Pop Demon Hunters”. Antes do fenômeno de 2026, a série animada “Trese” (2021), adaptada das HQs de Budjette Tan e Kajo Baldissimo, já oferecia uma protetora da humanidade e mediadora entre o mundo humano e o sobrenatural em Manila. A autora destaca o peso da cultura de quadrinhos nas Filipinas e como essa linguagem torna mais acessível uma realidade pouco discutida na literatura asiática: um país que transita entre mitos ancestrais, colonização espanhola, conservadorismo religioso e identidades guerreiras e xamânicas.

Alexandra Trese, sexta filha do sexto filho guerreiro com uma xamã, atua como Lakan — guardiã racional, de preto, de cabelo curto — chamada pela polícia sempre que crimes fogem da lógica comum. Os casos envolvem aswang (metamorfos vampíricos e necrófagos), tiyanak (fetos/ bebês abandonados que retornam em busca do ventre materno), mortos vivos em busca de justiça contra a violência policial, sempre apoiada pelos gêmeos semideuses Kambal, filhos do deus da guerra Talagbusao. O terror, porém, não está só nas criaturas, mas no desequilíbrio causado pelos humanos ao violarem regras básicas de respeito, solidariedade e boas maneiras, que no submundo cobram um preço extremo.

Mariana Pacheco argumenta que, enquanto “K-Pop Demon Hunters” conquista públicos de todas as idades com música e carisma, “Trese” é um material assumidamente adulto: mergulha em sangue, injustiça, corrupção e na camada fina entre crença e realidade. Para enfrentar o que habita esse entre-lugar, não basta cantar: é preciso conhecimento antigo, coragem, frieza e um bom punhal.

Trese: Caçadora de Demônios para adultos

Antes do filme sul-coreano “K-Pop Demon Hunters” conquistar as premiações estadunidenses, como o Globo de Ouro e Annie Awards, neste ano de 2026, se tornando a animação de maior sucesso da plataforma de streaming Netflix e uma representação do folclore asiático para o mundo ocidental, em 2021 a série “Trese” já havia trazido uma protetora para a humanidade e um elo de equilíbrio entre o sobrenatural.

A série animada é a adaptação das Histórias em Quadrinhos homônimas filipinas escritas por Budjette Tan e Kajo Baldismo. É válido dizer que as Filipinas é um país que ama HQs, e tem ais quadrinistas ilustres e talentosos do que autores clássicos de outros gêneros literários. Isso não reduz o valor da obra, pelo contrário: a linguagem das Histórias em Quadrinhos acessibiliza uma cultura e sociedade pouco discutida dentro da literatura e dos estudos asiáticos, ainda que de forma desafiadora para tradução em países ocidentais.

No Brasil, por exemplo, “Trese” é publicado em seu formado de História em Quadrinhos apenas em 2025, pela editora Mori, voltada para títulos associados ao Terror e ao Suspense – adequado, aliás. É provável que os brasileiros mais leigos se conectem com a narrativa através da série animada previamente produzida pela Netflix. Entretanto, a narrativa de Tan e Baldismo é um prato cheio para conhecer Manila e também mergulhar em traços únicos e personagens que conversam com uma cultura e sociedade que ainda transita entre o folclore tradicional, a colonização espanhola, o conservadorismo religioso e a própria identidade entre guerreiros e xamãs.

Tanto nos quadrinhos quanto na série animada, “Trese” carrega uma aura mais sombria, quando a noite cai sobre as ruas de Manila (capital das Filipinas) e os perigos vão além de sequestradores e ladrões, se estendendo para criaturas do folclore místico das Filipinas, que espreitam nas sombras e nas camadas sociais. Casos de assassinatos, quando se mostram pouco convencionais, obrigam o sargento da polícia a chamar Alexandra Trese, a sexta filha do sexto filho mandirigma (guerreiro) com uma balaylan (xamã), assumindo ambas as funções e conhecimentos dos pais.

Alexandra Trese, diferentemente das personagens guerreiras do K-Pop, se veste de negro, tem cabelos curtos e é extremamente racional para cumprir sua função como protetora da humanidade – a Lakan. E seus casos, muitas vezes, não envolvem monstros bonitos, mas metamorfos vampírcos e necrófagos (aswang) envolvidos em tráfico de almas e carne humana; bebês abortados e abandonados que ressurgem em busca do ventre maternos (tiyanak), e mortos vivos convocados em busca da justiça de assassinatos causados pela polícia local, sem um julgamento.

A história traz figuras folclóricas, mas influentes em situações reais da sociedade filipina. E, por isso, a narrativa ganha o tom mais impactante e obscuro: o terror não está apenas nas figuras folclóricas e nas cenas de sangue, bem como as batalhas de Alexandra Trese junto com os Kambal – dois gêmeos semideuses filhos de Talagbusao (deus da Guerra), que se tornam seus guarda-costas particulares, mas em como a humanidade desequilibra a relação entre o sobrenatural por violarmos as regras.

No volume 2, Alexandra Trese explica ao sargento que as regras do submundo são simples: aquelas velhas regras sobre boas maneiras, mostrar respeito e ajudar o próximo. Só que as consequências de desobedecer às lições são mais extremas, porque o submundo não perdoa como o mundo humano. E é isso que nos assusta.

As Guerreiras do K-Pop conquistaram fãs de todas as idades, de crianças aos adultos, por trazer músicas cativantes, personagens únicas e boa estratégia de comunicação. Mas “Trese” é para um público adulto que não tenha medo de ler ou assistir a noite, ou mesmo de entender que existem coisas que não sabemos explicar ou lidar em nosso mundo e na fina camada de crença. E para enfrenta-los, saber cantar não é suficiente, é preciso se armar de conhecimento antigo, coragem, frieza e um bom punhal.

POR Mariana Pacheco

PERGUNTAS PARA O LEITOR / CLUBE DE LEITURA / CLUBE DE SÉRIES

1. Você se percebe mais atraído pelos universos folclóricos em versões “leves” (como K-pop Demon Hunters) ou pelo tipo de abordagem sombria e adulta de Trese? Por quê?
2. Em Trese, o que te parece mais assustador: as criaturas (aswang, tiyanak, mortos-vivos) ou o modo como a corrupção e a violência humanas quebram as “regras simples” do submundo?

FONTES E REFERÊNCIAS

• HQs Trese, de Budjette Tan e Kajo Baldissimo.
• Série animada Trese (Netflix) e materiais de bastidores sobre adaptação de folclore filipino.
• Filmes e animações asiáticas recentes que exploram mitologias locais, como “K-Pop Demon Hunters”.
• Estudos introdutórios sobre folclore filipino (aswang, tiyanak, Talagbusao e outras entidades).

HASHTAGS SUGERIDAS

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INFORMAÇÕES BÁSICAS DO CONTEÚDO
Tempo de leitura: 8–11 minutos
Gênero: Ensaio literário / cultural sobre mito, religião e identidade britânica

RESUMO
O texto de Mariana Pacheco explora como as lendas do Rei Arthur, para além das espadas, cavaleiros e castelos, funcionam como um espelho das disputas religiosas da Bretanha ao longo dos séculos. A partir de versões clássicas (Malory, Pyle) e releituras modernas (Marion Zimmer Bradley e Bernard Cornwell), o ensaio mostra como Arthur, Merlin, Morgana, Guinevere e Lancelot são reposicionados entre paganismo celta/druida e cristianismo em consolidação, simbolizados por Avalon e pela Abadia de Glastonbury. A autora destaca que o ciclo arthuriano acompanha e dramatiza a transição da antiga religião para o cristianismo, construindo uma narrativa de identidade que ainda dialoga com um país plural em crenças (católicos, anglicanos, protestantes, religiões orientais e ateísmo). No fim, Arthur aparece como figura central de um povo cuja fé e pertencimento continuam em disputa.

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Ainda hoje, as narrativas do Rei Arthur permeiam o folclore, a história medieval e o interesse turístico da Grã-Bretanha, onde um rei digno da espada governa o país entre fatos históricos e buscas mágicas. Diferentes adaptações foram feitas, tanto no meio literário, para registrar ou reescrever as aventuras dos cavaleiros da távola redonda, quanto para o cinema e teatro.

A versão mais aceita, considerada a base das lendas arthurianas, foi a escrita por Sir Thomas Malory, “Le Morte D’Arthur”, do século XV; mas a versão “Rei Arthur e os Cavaleiros da Távola Redonda”, de Howard Pyle (1903), também foi deveras disseminada, além de contar com as xilogravuras do autor para ilustrar desde a ascensão do rei, seu casamento com Guinevere e a busca do Graal. No Brasil, a editora Zahar publicou a versão de Pyle.

Outros autores também ousaram, com sucesso, aproximar a história de Artur da realidade. Marion Zimmer Bradley deu voz às mulheres de Camelot e Avalon em sua obra “As Brumas de Avalon” (1979), onde a mágica se torna parte dos ritos ancestrais dos druidas da Bretanha, e as sacerdotisas são figuras de destaque no movimento do destino. Já Bernard Cornwell, renomado autor de romances históricos e marcado por cenas de batalhas épicas em seus livros, em “As Crônicas de Arthur” (1995), dá ao rei Arthur cenas mais próximas da linha do tempo, quando os romanos deixam a ilha inglesa, e os clãs precisam de um novo líder.

Os personagens – Arthur, Morgana, Guinevere e Lancelot, principalmente – ganham nuances próprias em cada nova adaptação: por exemplo, se Marion Zimmer Bradley coloca Guinevere como uma cristã devota, Cornwell a posiciona como adoradora de diferentes divindades, inclusive Isis; já Morgana é a peça chave de Avalon para Bradley, como sacerdotisa e parte do povo das fadas, mas Cornwell sela o destino da meia-irmã de Arthur em um convento. E o rei Arthur, apesar de seu destino permanecer o mesmo em sua essência, sua personalidade alterna entre grande rei e ingênuo apaixonado.

Porém, entre releituras e reinterpretações, tanto nas páginas quanto nas telas, uma discussão constante que permeia as lendas arthurianas se trata de como Arthur precisou lidar com a questão religiosa de seu reino. De um lado, representado por Merlin e Morgana, a antiga religião, isso é, o paganismo dos celtas e dos druidas, busca a fidelidade de um rei provindo de um clã antigo. Do outro, enraizado pelos resquícios da Abadia de Glastonbury e a busca pelo Santo Graal, o cristianismo que conquista o povo e o coração de cavaleiros do rei. E Arthur sempre precisava escolher uma posição.

Mais do que Excalibur e Camelot, o ciclo arthuriano dentro da literatura gira em torno de temas cristãos e o embate com os chamados pagãos – uma evidência mínima é que a Abadia de Glastonbury e Avalon, nas histórias e na crença popular, dividram um mesmo espaço físico, em Ynys Afallach – e que as brumas escondiam um do outro, para Marion Zimmer. Ambas as religiões estão intrinsicamente ligadas em disputa e ao rei central destas lendas. Arthur confia em Merlin e conquista Excalibur da Dama do Lago, em seu lado místico, porém, depois envia seus cavaleiros em uma jornada santa pelo Graal, em remissão e conversão de sua alma e de seu reino. E o túmulo de Arthur, crê-se, ter sido a Abadia, mas nas lendas, seu corpo foi levado à Avalon, onde espera, adormecido, ser desperto quando a Bretanha precisar.

É possível pensar que, entre lendas e fatos históricos, bem aqueles passíveis de questionamento, as lendas arthurianas também estabelecem diálogo para a narrativa de como o cristianismo se estabelece na Grã-Bretanha e os celtas e a religião antiga perdem seu espaço de crença. As lendas se constroem por mitos, que se conectam com a realidade por elementos que os legitimam e criam vínculos emotivos com seus espectadores.

Rei Arthur é a identidade da Grã-Bretanha, mas mantêm o questionamento da Fé dos bretões, e a legitimação de crenças: dos celtas aos católicos, então aos anglicanos e protestantes, e aquelas vindas do Oriente (islamismo e o hinduísmo), bem como o ateísmo. Se as lendas arthurianas ainda criam identificação com os ingleses, é porque o coração de um rei em dúvida com sua fé ainda representa seu povo, mesmo hoje.

Por Mariana Pacheco 7ª edição março 2026

PERGUNTAS PARA O LEITOR / CLUBE DE LEITURA

1. Em qual versão de Arthur você mais se reconhece: o rei político, o herói místico ou o homem em dúvida de fé?

– A forma como você responde revela que dimensão das lendas arthurianas mais dialoga com sua própria visão de liderança, espiritualidade e identidade.

1. O que te parece mais forte nas lendas: o conflito entre cristianismo e paganismo ou os dramas pessoais de Arthur, Guinevere, Lancelot e Morgana?

– A pergunta ajuda a perceber como questões teológicas e afetivas se entrelaçam, fazendo da religião também um campo de relações humanas.

1. Você enxerga paralelos entre a transição religiosa na Bretanha (dos deuses celtas ao cristianismo) e mudanças de fé ou de visão de mundo na sociedade atual?

– Pense em como novas crenças, secularização ou espiritualidades alternativas disputam espaço com tradições estabelecidas hoje.

1. O que a coexistência de Glastonbury e Avalon como “o mesmo lugar” sugere sobre a relação entre mito, geografia e fé?

– Essa sobreposição indica que imaginário religioso e espaço físico se alimentam mutuamente, criando camadas de significado sobre o território.

1. Por que você acha que, tantos séculos depois, o Rei Arthur ainda é símbolo de identidade para a Grã-Bretanha?

– A resposta pode explorar a ideia de um líder que nunca está totalmente resolvido em sua fé, refletindo um povo plural, em permanente negociação espiritual e cultural.

FONTES E REFERÊNCIAS

• Sir Thomas Malory – Le Morte d’Arthur (século XV), base canônica das lendas arthurianas.
• Howard Pyle – Rei Arthur e os Cavaleiros da Távola Redonda (1903), com xilogravuras; edição brasileira pela Zahar.
• Marion Zimmer Bradley – As Brumas de Avalon (1979), releitura centrada nas mulheres e na antiga religião.
• Bernard Cornwell – As Crônicas de Arthur (The Warlord Chronicles), abordagem histórica da Bretanha pós-romana.
• Estudos sobre Glastonbury e Avalon – Relações entre lenda, arqueologia, cristianismo e tradição celta.

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Como o Legado de Michael Jackson Navega Entre Gerações no Mundo Digital e a Expectativa pela Nova Cinebiografia

INFORMAÇÕES BÁSICAS DO CONTEÚDO

• Tempo de leitura: 10-12 minutos
• Contagem de palavras: 741 palavras
• Contagem de caracteres: 4.842 caracteres

É estimado que Michael Jackson possui cerca de 4,8 bilhões de fãs ao redor do mundo, com 95% da população mundial ainda reconhecendo seu nome, mesmo após sua morte em 2009 – ou seja, cerca de 9 em 10 pessoas conhecem o rei do Pop (Fatos Desconhecidos, 2025). E prova disso é que o trailer de sua cinebiografia, que será lançada em abril de 2026, foi o mais visto na história, com um total de 116 milhões nas primeiras 24 horas de seu lançamento (Rolling Stone, 2025).

Esse é um novo recorde para a lista de Michael Jackson, que emplaca como o único artista a ter sucessos no top 10 da Billboard Hot 100 em seis décadas consecutivas e ter o maior número de vitórias de um artista masculino no American Music Awards (Bilboard, 2020). E mais: o legado póstumo de Michael colhe o alcance mundial que as redes sociais e plataformas digitais proporcionam, cruzando gerações e formatos midiáticos diferentes.

Quando Michael Jackson morreu, o mundo estava mudando, com uma crise econômica global, Obama estava assumindo a presidência dos Estados Unidos como o primeiro negro nesta posição e testes nucleares de visibilidade chamavam a atenção no Oriente Médio, com o Irã, e na Ásia, com a Coreia do Norte. Mesmo assim, a perda do Rei do Pop foi um dos acontecimentos mais emblemáticos. Porém, o que Michael acharia e como aproveitaria de seu legado com a revolução digital?

A cultura pop mudou a partir dos anos 2010, com o trono vago, e as plataformas digitais, que permitiram conectar artistas aos fãs além dos palcos e videoclipes, em formatos e produções diferentes: hoje em dia, os artistas têm seus perfis no Instagram, onde seus fãs os seguem e interagem, além de também produzirem suas próprias releituras de danças e movimentos, as postando no TikTok. Ir ao show não é mais a única forma de se provar fã, mas é uma das opções supremas. Entretanto, não anula a chance de ter experiências com seu ídolo virtualmente, pois vários conteúdos são gerados em torno do mesmo objeto de admiração.

Além disso, as portas para a cultura pop de outros lugares também foram abertas com a internet e o universo digital, tal como a Onda Pop sul-coreana, que invadiu o mundo a partir de 2012. O grupo sul-coreano BTS, com sete integrantes, demonstrou que bebeu da fonte de Michael Jackson nos clipes “Dynamite” (2020), “Standing Next to You” (2023) e “Who” (2024). Pelo furor dos fãs que os seguem – viciados e fascinados por suas falas, estéticas e produções – e seu estilo híbrido, mas ainda assim singular, podemos pensar que estes garotos estão dispostos a ocupar a posição de príncipes do Pop nesta nova era.

Porém, a chamada “Jacksonmania” está ressuscitando com o anúncio do filme bibliográfico de Michael Jackson, com o sobrinho Jaafar Jackson no papel principal, em uma era digital e que as interpretações da vida dos artistas também estão sujeitas a boatos (Fake News), interpretações dos fãs (fanfics) odiadores fervorosos (haters) que se espalham mais rapidamente e avidamente. Ainda é cedo para julgar o filme, mas o trailer já recebeu elogios e críticas, especialmente sobre o nariz de Michael em cena.

Os fãs e quem acompanhou a carreira de Michael Jackson pelos anos 1970 a 2000 esperou por uma adaptação digna, mas, mais que isso, também presenciaremos a sustentação de um legado em uma mídia inédita para um artista que nunca a experimentou em seu poder total, e nem estará vivo para proteger sua história do que vier a ser dito das redes sociais e plataformas digitais.

Logo, a geração mais velha que viu Michael nos palcos terá que ser aquela que julga pelo que presenciou nascer e crescer, e a geração mais nova que só ouviu falar do rei do Pop, fará isso pelo que ver nas suas redes e criará sua própria intepretação de Michael. O embate de gerações pode vir na arena do espaço digital, (tal como em “Rocketman” (2019) e “Bohemian Rhapsody” (2018)). De qualquer forma, como dito no trailer, mais uma vez, dentro do gênero Pop, é hora de “honrar seu passado e abraçar o futuro”.

Por Mariana Pacheco

PRINCIPAIS PONTOS (5 TÓPICOS)

1. Fenômeno Global Duradouro de Michael Jackson

O artigo estabelece que Michael Jackson possui cerca de 4,8 bilhões de fãs ao redor do mundo, com 95% da população mundial ainda reconhecendo seu nome mesmo após sua morte em 2009. O trailer da cinebiografia Michael (2026) foi o mais visto na história, com um total de 116 milhões nas primeiras 24 horas, demonstrando que ele permanece o único artista a ter sucessos no top 10 da Billboard Hot 100 em seis décadas consecutivas.

2. Transformação da Cultura Pop na Era Digital

A autora explica que a cultura pop mudou a partir dos anos 2010, com o trono vago e as plataformas digitais permitiram conectar artistas aos fãs além dos palcos e videoclipes. Agora os artistas têm seus perfis no Instagram e fãs produzem suas próprias releituras de danças e movimentos, as postando no TikTok, onde ir ao show não é mais a única forma de se provar fã.

3. Influência de Michael Jackson na Nova Geração: BTS como Herdeiros

O texto destaca como o grupo sul-coreano BTS demonstrou que bebeu da fonte de Michael Jackson nos clipes ‘Dynamite’ (2020), ‘Standing Next to You’ (2023) e ‘Who’ (2024). Com a Onda Pop sul-coreana que invadiu o mundo a partir de 2012, podemos pensar que estes garotos estão dispostos a ocupar a posição de príncipes do Pop nesta nova era.

4. Desafios do Legado na Era da Hiperconexão

A Jacksonmania está ressuscitando mas em uma era digital onde as interpretações da vida dos artistas também estão sujeitas a boatos (Fake News), interpretações dos fãs (fanfics) odiadores fervorosos (haters) que se espalham mais rapidamente. O desafio é a sustentação de um legado em uma mídia inédita para um artista que nunca a experimentou em seu poder total.

5. Embate Geracional no Espaço Digital

A autora identifica que a geração mais velha que viu Michael nos palcos terá que ser aquela que julga pelo que presenciou enquanto a geração mais nova que só ouviu falar do rei do Pop, fará isso pelo que ver nas suas redes e criará sua própria interpretação. Esse embate de gerações pode vir na arena do espaço digital, similar aos filmes “Rocketman” (2019) e “Bohemian Rhapsody” (2018), mas com o desafio de honrar seu passado e abraçar o futuro.

FAQ COMPLETO (5 PERGUNTAS)

1. Quais são os números que comprovam a popularidade duradoura de Michael Jackson?

Segundo Mariana Pacheco, Michael Jackson possui cerca de 4,8 bilhões de fãs ao redor do mundo, com 95% da população mundial ainda reconhecendo seu nome mesmo após sua morte em 2009. O trailer da cinebiografia Michael (2026) foi o mais visto na história, com um total de 116 milhões nas primeiras 24 horas de seu lançamento. Ele também é o único artista a ter sucessos no top 10 da Billboard Hot 100 em seis décadas consecutivas e ter o maior número de vitórias de um artista masculino no American Music Awards.

2. Como a cultura pop mudou após a morte de Michael Jackson?

A autora explica que a cultura pop mudou a partir dos anos 2010, com o trono vago e as plataformas digitais permitiram conectar artistas aos fãs além dos palcos e videoclipes. Hoje os artistas têm seus perfis no Instagram, onde seus fãs os seguem e interagem, além de também produzirem suas próprias releituras de danças e movimentos, as postando no TikTok. Ir ao show não é mais a única forma de se provar fã, mas existe a chance de ter experiências com seu ídolo virtualmente.

3. Como o BTS se relaciona com o legado de Michael Jackson?

O texto destaca que o grupo sul-coreano BTS demonstrou que bebeu da fonte de Michael Jackson nos clipes ‘Dynamite’ (2020), ‘Standing Next to You’ (2023) e ‘Who’ (2024). A autora sugere que pelo furor dos fãs que os seguem – viciados e fascinados por suas falas, estéticas e produções – e seu estilo híbrido, mas ainda assim singular, podemos pensar que estes garotos estão dispostos a ocupar a posição de príncipes do Pop nesta nova era, aproveitando a Onda Pop sul-coreana que invadiu o mundo a partir de 2012.

4. Quais são os desafios de preservar o legado de Michael Jackson na era digital?

A autora identifica que a chamada ‘Jacksonmania’ está ressuscitando em uma era digital onde as interpretações da vida dos artistas também estão sujeitas a boatos (Fake News), interpretações dos fãs (fanfics) odiadores fervorosos (haters) que se espalham mais rapidamente e avidamente. O grande desafio é a sustentação de um legado em uma mídia inédita para um artista que nunca a experimentou em seu poder total, e nem estará vivo para proteger sua história do que vier a ser dito das redes sociais e plataformas digitais.

5. Como se dará o embate de gerações em torno do legado de Michael Jackson?

Mariana Pacheco explica que a geração mais velha que viu Michael nos palcos terá que ser aquela que julga pelo que presenciou nascer e crescer, enquanto a geração mais nova que só ouviu falar do rei do Pop, fará isso pelo que ver nas suas redes e criará sua própria interpretação de Michael. O embate de gerações pode vir na arena do espaço digital, similar ao que aconteceu com ‘Rocketman’ (2019) e ‘Bohemian Rhapsody’ (2018), mas com o objetivo de honrar seu passado e abraçar o futuro.

FONTES E REFERÊNCIAS

• Mariana Pacheco – Autora do artigo
• Fatos Desconhecidos (2025) – Estatísticas sobre popularidade global de Michael Jackson
• Rolling Stone (2025) – Dados sobre visualizações do trailer de Michael (2026)
• Billboard (2020) – Recordes de Michael Jackson na Billboard Hot 100 e American Music Awards
• Jaafar Jackson – Sobrinho de Michael Jackson, protagonista da cinebiografia
• BTS – Grupo sul-coreano citado como influenciado por Michael Jackson
• Rocketman (2019) e Bohemian Rhapsody (2018) – Filmes biográficos comparativos

HASHTAGS

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Como a França Concentrou 60 Mil Tesouros Asiáticos Longe de Casa

INFORMAÇÕES BÁSICAS DO CONTEÚDO

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• Contagem de palavras: 665 palavras
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RESUMO EXECUTIVO

Paris abriga a maior coleção de arte asiática da Europa com mais de 60 mil objetos nos museus Guimet e Cernuschi, formada através de coleções particulares de industriais franceses do século XIX e apropriação colonial de artefatos históricos durante expedições militares, saques e pilhagens na Indochina Francesa e China, levantando debates contemporâneos sobre repatriação cultural.

Ao visitar Paris, além das obras do famoso museu do Louvre, se pode encontrar a coleção mais abrangente de arte asiática do mundo, além de ser a maior da Europa, com aproximadamente mais de 60 mil objetos, nas instalações do Museu Guimet, localizado na Place d’Iéna.

A constituição de tal acervo se deu, primeiramente, pela coleção particular de Emile Guimet – que dá nome ao museu –, empresário da produção industrial do azul marino artificial, no século XIX. Depois, expandiu para abraçar a coleção de porcelana chinesa de Ernest Grandidier, outro industrial provindo de uma família rica, que lhe permitiu realizar viagens pelas Américas do Norte e Sul e, posteriormente, Ásia. Outro espaço que chama a atenção é o museu Cernuschi, localizado na antiga mansão do banqueiro italiano Henri Cernuschi, com cerca de 13 mil peças.

Todas as coleções mencionadas, antes particulares, se compõem de objetos provindos do Japão, da China, da Coreia (ainda unificada), do Vietnã, Himalaias, Camboja, Tailândia e Indonésia. A maioria dos artefatos foi trazida para a França na segunda metade o século XIX, após a abertura dos portos chineses e dos outros países asiáticos para do Ocidente – alguns já sendo colônias da França e Inglaterra, como Camboja, Vietnã e Laos.

Esta região foi conhecida durante o período colonial (1887-1954) como Indochina Francesa, e além da exploração de matérias-primas da região, a França também se apropriou de artefatos históricos locais, durante saques e pilhagens de tropas coloniais nos territórios.

E, especificamente no caso da China, o enfraquecimento econômico causado após as Guerras do Ópio (1839-1842 e 1856-1860), em que o país asiático enfrentou Inglaterra e França, facilitou a compra e remoção de artefatos históricos e arqueológicos pelas potências ocidentais do território chinês, por meio de expedições militares e diplomáticas realizadas por países europeus, inclusive a França.

Em exemplo extremo, temos o Saque do Palácio de Verão, em 1860, onde o complexo palaciano imperial chinês foi invadido por tropas inglesas e francesas, em retaliação pela captura de negociantes britânicos. O ocorrido resultou em roubo e perda de relíquias culturais e obras de arte importantes, que foram levadas para a Europa e exibidas pela França como espólio na época. O autor Victor Hugo condenou o ocorrido, comparando como a destruição e desaparecimento de um modelo de sonho.

Como os artefatos históricos foram adquiridos por magnatas de seu século não está contado nas placas de identificação de cada peça ou na história dos museus em seus portais online. Entretanto, ao adentrarmos nestes espaços, tão repletos de obras, cerâmicas, têxteis, estátuas e joias, temos tanto um sentimento de admiração pela riqueza histórica, quanto um mal-estar em pensar o porquê destas obras estarem tão longe de casa – algumas porcelanas chinesas nem a China possui mais, mas estão em museus europeus. É um dilema aos visitantes.

Por este motivo, constantemente se abre o debate sobre a devolução de peças arqueológicas por países europeus, inclusive a França, para o acervo nacional dos locais originais, com fala do atual presidente Emmanuel Macron. No caso das artes asiáticas, o país europeu se volta para a devolução de artefatos para o Museu Nacional do Camboja. E também há uma promessa de investimento milionário para rastrear a procedência de objetos do período colonial.

Como Victor Hugo esperamos o dia em que a França devolva essa pilhagem aos seus donos de verdade, para que a história e cultura asiáticas possam ser contadas e revividas em seus próprios museus, e não tão longe de casa.

PRINCIPAIS PONTOS (5 TÓPICOS)

1. Maior Coleção Asiática da Europa em Paris

Paris abriga mais de 60 mil objetos asiáticos nos museus Guimet e Cernuschi, formando a coleção mais abrangente de arte asiática do mundo, com peças do Japão, China, Coreia, Vietnã, Himalaias, Camboja, Tailândia e Indonésia.

2. Origem Colonial das Coleções

As coleções foram formadas por industriais franceses do século XIX (Emile Guimet, Ernest Grandidier, Henri Cernuschi) e expandidas através de apropriação colonial durante o período da Indochina Francesa (1887-1954) via saques e pilhagens militares.

3. Saque do Palácio de Verão (1860)

O exemplo mais extremo foi a invasão do complexo imperial chinês por tropas inglesas e francesas, resultando em roubo massivo de relíquias culturais levadas para Europa, evento condenado por Victor Hugo como destruição de um “modelo de sonho”.

4. Dilema Ético dos Visitantes

Museus não informam nas placas como artefatos foram adquiridos, criando conflito entre admiração pela riqueza histórica e mal-estar ético, especialmente considerando que algumas porcelanas chinesas nem existem mais na China, apenas em museus europeus.

5. Movimento Contemporâneo de Repatriação

Emmanuel Macron iniciou debates sobre devolução de peças arqueológicas, com foco inicial no Museu Nacional do Camboja e promessa de investimento milionário para rastrear procedência de objetos do período colonial.

FAQ COMPLETO (5 PERGUNTAS)

1. Por que Paris possui a maior coleção de arte asiática da Europa?

Paris concentra mais de 60 mil objetos asiáticos devido à combinação de coleções particulares de industriais franceses ricos do século XIX (Emile Guimet, Ernest Grandidier, Henri Cernuschi) e apropriação sistemática durante o período colonial. A França explorou não apenas matérias-primas da Indochina Francesa (1887-1954), mas também se apropriou de artefatos históricos através de expedições militares, saques e pilhagens nos territórios colonizados.

2. Como as Guerras do Ópio facilitaram a remoção de artefatos chineses?

As Guerras do Ópio (1839-1842 e 1856-1860) enfraqueceram economicamente a China, facilitando a compra e remoção de artefatos históricos pelas potências ocidentais. O exemplo mais extremo foi o Saque do Palácio de Verão em 1860, quando tropas inglesas e francesas invadiram o complexo imperial chinês, roubando relíquias culturais que foram levadas para Europa e exibidas como espólio de guerra.

3. Por que os museus não informam como adquiriram os artefatos?

As placas de identificação e portais online dos museus omitem informações sobre como os artefatos históricos foram adquiridos pelos magnatas do século XIX. Esta omissão cria um dilema ético para visitantes, que experimentam tanto admiração pela riqueza histórica quanto mal-estar ao perceber que obras estão “longe de casa”, algumas sendo únicas e não existindo mais nem nos países de origem.

4. Quais são os esforços atuais de repatriação cultural?

Emmanuel Macron iniciou debates sobre devolução de peças arqueológicas, com foco inicial na devolução de artefatos para o Museu Nacional do Camboja. A França prometeu investimento milionário para rastrear a procedência de objetos do período colonial, sinalizando mudança na política cultural em direção à justiça histórica e reconhecimento da apropriação colonial.

5. Qual a importância da repatriação para os países asiáticos?

A repatriação permitiria que história e cultura asiáticas sejam contadas e revividas em seus próprios museus, não “longe de casa”. Muitos artefatos únicos, como certas porcelanas chinesas, existem apenas em museus europeus, privando os países de origem de seu próprio patrimônio cultural. A devolução representaria justiça histórica e reconhecimento dos danos causados pela apropriação colonial.

FONTES E REFERÊNCIAS

• Museu Guimet – Coleção de arte asiática em Paris
• Museu Cernuschi – Coleção particular de Henri Cernuschi
• História da Indochina Francesa – Período colonial (1887-1954)
• Guerras do Ópio – Conflitos sino-europeus (1839-1860)
• Saque do Palácio de Verão (1860) – Apropriação cultural colonial
• Victor Hugo – Críticas ao colonialismo cultural
• Emmanuel Macron – Políticas de repatriação cultural
• Museu Nacional do Camboja – Esforços de devolução
• Emile Guimet, Ernest Grandidier – Colecionadores industriais
• Patrimônio Cultural Asiático – Questões de repatriação

HASHTAGS

#ColeçõesAsiáticas #MuseuGuimet #ApropriaçãoCultural #PatrimônioRoubado #RepatriaçãoCultural #ColonialismoFrancês #ArteAsiática

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Filósofo sul-coreano analisa como busca por dopamina digital transforma sociedade em consumidora de analgésicos do presente

Tempo de leitura: 6 min • Categoria: Filosofia

Texto Principal

Com o avanço da tecnologia no decorrer dos anos, como nos comunicamos e nos socializamos se moldou aos novos meios e mídias. Estabelecemos contatos pelas redes sociais, construímos nossa imagem pelo que postamos, nosso tempo escoa mais rápido, e queremos fazer mais coisas ao mesmo tempo.

Nossa sociedade hoje, por esta inserção do universo digital, encara duas faces obscuras: de sujeitos voltados ao desempenho e auto exploração, entrando também em um cansaço constante por conta do nível elevado de produção exigido; e, ao mesmo tempo, também encaramos uma sociedade que não suporta a dor, e precisa, a todo custo, desonerar toda a forma de negatividade, pois ela não gera utilidade.

O cenário atual exige autores atuais para discutir assuntos que envolvem uma visão que aborde o universo digital e significados inéditos. A semiótica francesa não é mais suficiente para analisar a construção discursiva. A sociologia precisa expandir sua visão para bibliografias globais que incluam a tecnologia como fator de influência. E a comunicação tem que encarar o novo público consumidor que procura analgésicos do presente.

O autor sul-coreano Byung Chul-Han, que também é professor de Filosofia e Estudos Culturais na Universidade de Berlim, tem conseguido discutir essa nova classificação da nossa sociedade, do Ocidente ao Extremo-Oriente. Ele coloca definições coincidentes sobre nós: uma sociedade paliativa, que busca curar suas dores; a sociedade do desempenho, que se submete aos extremos das pressões internas, declinando à sociedade do cansaço, fruto de esgotamento excessivo e de não tornar objetivos possíveis.

Essas três definições estão em uma mesa sociedade atual, virtual e mais individual, que quer uma dopamina de suas dificuldades diárias – stress, correria, cansaço –, e usa o consumo como esta pílula. É aqui que entra a sociedade do consumo e entretenimento. Inicialmente, se trata de tornar tanto o sujeito quanto o produto midiático consumível, dar uma função social pelas narrativas.

Pelo autor, conseguimos entender que nossa sociedade ganha novas faces em efeito dominó, e que, principalmente para a comunicação, o entretenimento se torna um novo hábito de consumo que nos alivia das outras definições. O público agora quer produtos curtíveis ou instagramáveis, levando a “despolitização e à dessolidação da sociedade” (Han, 2021) e ao foco apenas na própria felicidade e da própria imagem.

Não se quer mais consumir produtos ou informações aprofundadas. Se quer o que nos felicite e entretenha, misturando esferas e tornando arte e cultura, por exemplo, relevantes apenas se consumíveis. O mesmo ocorre com o que vemos nas redes sociais e o que compartilhamos e com o que interagimos nas plataformas digitais. Na prática, um influenciador vende mais que um estudo sobre um produto, e se o uso dele alcançar seguidores para o consumidor, vale mais a pena ser comprado.

Porém, notamos que as dores crônicas da sociedade se tornam cada vez mais agressivas e extremas – suicídios, abusos físicos e psicológicos são um exemplo – e que, talvez, as doses de consumo positivo não suportem segurar as pressões. Para sobreviver, o que nos machuca por fora, teremos que nos insensibilizar.

E esse é o perigo: um consumo insensível em busca de uma felicidade imediata, enquanto tentamos nos tornar sempre positivos diante das telas e das poucas pessoas de nossa rotina, enquanto as violências se internalizam, se enraízam. Uma hora, nos saturaremos, e vídeos, séries, filmes, músicas, e outros produtos da indústria do entretenimento não serão suficientes para a saturação mental e física, seguido por colapsos em esferas diversas: primeiro individual, depois coletivamente.

Byung Chul-Han não desenvolve uma previsão para o futuro – até mesmo porque não é esta a função de um pesquisador -, mas de seus estudos, conseguimos imaginar que é preocupante para onde vai nossa sociedade, cercada de um enxame digital, sem sentir as dores das picadas e das bolhas em seus pés, suportando com um sorriso sádico um caminho infindável e cada vez mais desgastante, disfarçando suas feridas com maquiagens borradas e roupas desconexas. Consegue imaginar este andarilho aberrante? Ele pode nos representar.

Principais Pontos

• Byung Chul-Han identifica sociedade atual como paliativa, do desempenho e do cansaço simultaneamente • Universo digital criou sujeitos voltados ao auto exploração e que não suportam negatividade • Sociedade busca dopamina através do consumo de entretenimento como analgésico do presente • Público prefere produtos “curtíveis” e “instagramáveis”, levando à despolitização social • Consumo insensível pode levar a colapsos individuais e coletivos quando entretenimento não for suficiente

Perguntas Frequentes

Quem é Byung Chul-Han e qual sua contribuição para entender a sociedade atual? Byung Chul-Han é filósofo sul-coreano e professor na Universidade de Berlim que analisa a sociedade digital moderna, definindo-a como paliativa, do desempenho e do cansaço, buscando dopamina através do consumo.

O que caracteriza a “sociedade do entretenimento” segundo o autor? É uma sociedade que transforma sujeito e produto midiático em consumíveis, priorizando o que felicita e entretém em detrimento de informações aprofundadas, levando à despolitização e foco apenas na própria imagem.

Qual o perigo do consumo insensível identificado pelo filósofo? O risco está na busca por felicidade imediata através do entretenimento enquanto violências se internalizam, podendo levar à saturação e colapsos quando produtos da indústria do entretenimento não forem mais suficientes.

Fontes e Referências

• Byung Chul-Han (2021) • Universidade de Berlim – Filosofia e Estudos Culturais

Palavras-chave (SEO)

Principal: Byung Chul-Han sociedade entretenimento Secundárias: sociedade do desempenho, sociedade do cansaço, consumo digital, dopamina digital, despolitização social, filosofia contemporânea, universo digital

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Nova edição brasileira de “O Visconde de Bragelonne” revela o desfecho da saga baseada em personagens históricos reais que serviram Luís XIV

Tempo de leitura: 5 minutos | Literatura

Em resumo: A editora Zahar lança em 2024 a primeira tradução brasileira de “O Visconde de Bragelonne”, completando a saga dos Três Mosqueteiros de Alexandre Dumas. A obra revela que D’Artagnan, Athos, Porthos e Aramis foram inspirados em soldados reais que serviram na guarda de Luís XIV, transformando história francesa em literatura clássica mundial.

Pela primeira traduzida para o Brasil, a edição de 2024 de “O Visconde de Bragelonne” da editora Zahar vem trazer o desfecho das aventuras de “Os Três Mosqueteiros”, obra clássica francesa de Alexandre Dumas, originalmente publicada em 10 volumes, e que agora se encontra acessível para os leitores brasileiros. E podemos novamente discutir sobre a complexidade deste romance histórico que marcou gerações.

Apesar de “O Conde de Monte Cristo” ser a estrela da carreira de Alexandre Dumas, “Os Três Mosqueteiros” é o épico histórico de aventura, e ambos foram publicados na mesma época (1844 a 1845) no formato de folhetim. A inspiração para a narrativa veio de um pequeno empréstimo das memórias do capitão dos mosqueteiros Charles de Batz-Castelmore, escrito por Gatien de Courtilz de Sandras, reconhecido em seu tempo por suas proezas e talento na esgrima, servindo o rei Luís XIV. Surgia a figura de D’Artagnan. E seus outros três grandes amigos, Athos, Porthos e Aramis também foram inspirados em personagens reais:

Armand de Sillègue d’Athos d’Autevielle (ATHOS) não foi o mosqueteiro mais velho dos quatro, sem muitas conquistas ou grande destaque no regimento da guarda real dos mosqueteiros, tendo falecido aos 28 anos em um duelo. Na literatura, Athos ganhou destaque, como o líder dos demais, guiando-os de forma estratégica em suas missões e combates, de forma centrada e inteligente, além de ser um esgrimista exímio.

Isaac de Portau (PORTHOS) foi inspirado em um soldado, prestando seu serviço na guarda junto do verdadeiro D’Artagnan. Sua figura foi relevante por conta do nome de sua família nobre. Se Porthos era bom na arte da esgrima, não se tem informações. Já nos livros, Porthos é aquele cara que sabe se divertir, mas sem perder sua capacidade de derrubar o inimigo por sua força e praticidade em combate.

Henri d’Aramitz (ARAMIS) foi mosqueteiro do rei, além de abade laico de origem protestante, nascido na Gasconha, e também afilhado do Monsieur de Tréville (comandante dos mosqueteiros na época), sendo assim fácil de adquirir seu posto como soldado. Lutou junto com Porthos, mas não com D’Artagnan. Se casou e teve dois filhos e duas filhas. Dumas colocou Aramis em seu livro como um padre, extremamente eclesiástico apesar da função de soldado, e um bom esgrimista.

Charles de Batz-Castelmore (D’ARTAGNAN) – O cara mais importante do quarteto, teve seu inicio de história muito semelhante com aquela contada por Dumas. Decidido a se tornar um mosqueteiro aos 19 anos de idade, sai de sua cidade natal Castelmore (na Gasconha) rumo a Paris, largando o nome de seu pai, emprestando o nome de sua mãe, Montesquiou d’Artagnan, para ser melhor reconhecido na corte.

A troca de nomes deu certo e logo ele entrou para os mosqueteiros, e de fato foi reconhecido como um excelente esgrimista e por realizar grandes proezas, e ser um homem de confiança do rei para missões importantes. Se casou e teve duas filhas, depois se divorciou após 6 anos do matrimônio. Acabou morrendo em batalha em um conflito entre a França e Holanda, em 1673.

Igualmente, o D’Artagnan dos livros começa como um jovem decidido a vestir o uniforme dos mosqueteiros, e se torna muito conhecido por sua habilidade e proezas, acabando por ser o personagem principal da obra, se sobressaindo aos outros três, que são de fato os 3 mosqueteiros.

A aventura começa no primeiro volume, conhecido pelo nome “Os Três Mosqueteiros”, mas que originalmente deveria ser “Os Inseparáveis”. Depois, Alexandre Dumas publica “Vinte Anos Depois” (1845), reforçando a amizade dos 4 soldados, e finaliza com “O Visconde de Bragelonne” (1847), um desfecho que levaria os leitores a se despedir dignamente dos quatro amigos, que veem a lealdade derrotada pela luz solar de um jovem rei, Luís XIV, e o fim de uma era de Capa e Espada na França.

Principais Pontos

1. Lançamento Histórico: Primeira tradução brasileira de “O Visconde de Bragelonne” completa a trilogia dos mosqueteiros
2. Personagens Reais: D’Artagnan, Athos, Porthos e Aramis foram baseados em soldados históricos de Luís XIV
3. D’Artagnan Histórico: Charles de Batz-Castelmore realmente existiu e morreu em batalha em 1673
4. Saga Completa: Trilogia inclui “Os Três Mosqueteiros”, “Vinte Anos Depois” e “O Visconde de Bragelonne”
5. Contexto Histórico: Obra retrata o fim da era de “Capa e Espada” na França do século XVII

Perguntas Frequentes

Os Três Mosqueteiros realmente existiram? Sim, D’Artagnan, Athos, Porthos e Aramis foram baseados em soldados reais que serviram na guarda de mosqueteiros de Luís XIV, embora Dumas tenha adaptado suas histórias para a literatura.

Quem foi o verdadeiro D’Artagnan? Charles de Batz-Castelmore foi um soldado gascão que se tornou mosqueteiro aos 19 anos, conhecido por suas proezas e confiança do rei. Morreu em batalha em 1673 durante conflito entre França e Holanda.

Qual a ordem correta para ler a saga? A sequência é: “Os Três Mosqueteiros” (1844), “Vinte Anos Depois” (1845) e “O Visconde de Bragelonne” (1847), que agora está disponível em português pela primeira vez.

Por que a obra é considerada romance histórico? Dumas baseou-se em memórias reais e documentos históricos da França de Luís XIV, misturando fatos históricos com aventuras ficcionais de forma magistral.

O que torna “O Visconde de Bragelonne” especial? É o desfecho da saga, mostrando o fim da era dos mosqueteiros e a transformação da França sob Luís XIV, com um tom mais maduro e melancólico.

Fontes e Referências: Editora Zahar | Memórias de Gatien de Courtilz de Sandras | Arquivos Históricos Franceses | Obras Completas de Alexandre Dumas | Documentos da Guarda Real de Mosqueteiros

Leia também: • O Conde de Monte Cristo: A Outra Obra-Prima de Alexandre Dumas • Literatura Francesa do Século XIX: Contexto Histórico e Social • Luís XIV e a França Absolutista: O Rei Sol em Perspectiva

A descoberta de que nossos heróis literários favoritos tiveram inspiração na vida real torna a leitura ainda mais fascinante. Você já conhecia a história dos mosqueteiros reais? Compartilhe nos comentários qual personagem mais desperta sua curiosidade histórica!

Por Mariana Seminati Pacheco

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INFORMAÇÕES BÁSICAS DO CONTEÚDO

• Tempo de leitura: 5-6 minutos
• Contagem de palavras: 672 palavras
• Contagem de caracteres: 4.421 caracteres

RESUMO EXECUTIVO

No 80º aniversário da Libertação Coreana, análise revela como K-dramas históricos transformaram-se em ferramenta de soft power para contar ao mundo os traumas da ocupação japonesa (1910-1945) e honrar a resistência nacional através do entretenimento global.

TEXTO COMPLETO

Invasão Japonesa na Coreia e sua retomada em K-Dramas Históricos

No dia 15 de agosto de 2025, a Coreia do Sul comemora o feriado nacional da Libertação, quando a nação coreana, ainda com um único país, se viu livre do domínio do império japonês, rendido ao final da Segunda Guerra Mundial. Entre narrativas sobre o ataque norte-americano e a rendição nipônica, pouco se comenta o que aconteceu na Ásia durante este período das Grandes Guerras do século XX.

O imperialismo japonês no século XX afetou diversos países da península asiática, incluindo China, Filipinas, Malásia, Singapura, Myanmar, entre outras ilhas em torno e nas proximidades da Oceania. Porém, o caso da Coreia se diferencia pelo sufocamento cultural e social, além da brutalidade do governo japonês e por cicatrizes históricas incuráveis até a atualidade.

A instabilidade política da Coreia – reflexo de abertura cultural para o Ocidente, um processo iluminista de conhecimento, a chegada do cristianismo e o questionamento das classes sociais confucionistas – abriria caminho para a dominação japonesa, que justificou sua entrada para controlar revoltas populares e moldar o futuro da Coreia para a modernidade. Porém, o que ocorre é um retrocesso, especialmente após 1910, com a anexação oficial da Coreia ao Japão.

O domínio japonês teve consequências notáveis para os coreanos: o idioma do país foi abolido, bem como a obrigatoriedade do uso do japonês; os nomes coreanos também foram substituídos; era obrigatório reverenciar o imperador japonês; perda de artefatos arqueológicos nacionais; discriminação médica em hospitais; recrutamento de coreanos para trabalhos forçados em fábricas e minas; exploração econômica para servir ao Japão com recursos naturais e minerais; censura cultural e social e violência e perseguição popular.

Mas um dos espinhos mais profundos que permanece são as mulheres de conforto: meninas levadas à força de suas famílias para servir como escravas sexuais a soldados japoneses, provindas de todos os países asiáticos invadidos, mas que 80% de cerca de 200.000 mulheres eram coreanas. E, após a guerra, tendo sido estupradas, perdendo sua virgindade – ou seja, sua honra de acordo com o confucionismo –, além de adquirirem doenças e sofrido abortos, as sobreviventes foram abandonadas, sem conseguirem voltar para suas casas e encararem seus pais.

Até os dias de hoje, o Japão não pediu desculpas formais e aceitáveis para a Coreia (tanto do Sul quanto do Norte) pelos crimes de guerra cometidos contra a população e à nação coreana, que teve sua cultura fragmentada, a sociedade fragilizada e economia destruída após a Segunda Guerra Mundial. Entretanto, após se reerguer e rugir como um Tigre Asiático, a Coreia do Sul tem usado a Onda Pop Coreana para contar sua própria versão de sua história, ganhando voz onde antes fora silenciada.

Os K-dramas, séries de formatos curtos (cerca de 20 episódios de 1 hora), disponibilizados em plataformas de streaming, têm atingindo um sucesso estrondoso ao redor do mundo, e são uma ferramenta para tornar acessíveis narrativas sobre o passado em dramas históricos, como pode ser exemplificado pela produção “Mr. Sunshine” (2018), produzida em parceria com a Netflix, narra o início da invasão japonesa e a formação do exército dos Justos, um dos muitos movimentos de resistência que lutaram na Coreia entre 1900 e 1945.

E apesar de “Mr.Sunshine” ganhar destaque, não foi a única produção que buscou ressuscitar as marcas da invasão japonesa para o mundo ver: o minidrama “Hhmn of Death” (2018) traz personagens reais para retratar a repressão cultural e artística; “The Joseon Gunman” (2014) responsabiliza as elites pela fragilidade que ajudaria a invasão; “Song of the Bandits” conta sobre o Massacre de Gando ao estilo Velho Oeste. E assim, se demonstra que a Coreia do Sul tem revivido o seu passado para que se faça conhecido no Ocidente, e principalmente, para reviver a memória dos fatos pela ficção.

PRINCIPAIS PONTOS

1. 80º Aniversário da Libertação Coreana (15 de agosto de 2025) A data marca a libertação da Coreia do domínio japonês após 35 anos de ocupação brutal (1910-1945), um período que deixou cicatrizes históricas profundas e ainda não completamente curadas nas relações entre os dois países.
2. Brutalidade Sistemática da Ocupação Japonesa O imperialismo japonês na Coreia foi além da dominação política, implementando apagamento cultural sistemático: abolição do idioma coreano, substituição de nomes, destruição de artefatos arqueológicos, trabalhos forçados e discriminação médica generalizada.
3. Tragédia das Mulheres de Conforto Cerca de 200.000 mulheres foram escravizadas sexualmente, sendo 80% coreanas. Essas sobreviventes enfrentaram abandono social pós-guerra devido aos valores confucionistas sobre honra feminina, representando uma das feridas mais profundas do período.
4. Ausência de Reparação Histórica Formal O Japão nunca ofereceu desculpas formais e aceitáveis pelos crimes de guerra cometidos, mantendo tensões diplomáticas e feridas históricas abertas entre as nações até os dias atuais.
5. K-Dramas Como Ferramenta de Soft Power Histórico A Coreia do Sul utiliza estrategicamente o sucesso global dos K-dramas históricos (Mr. Sunshine, Hymn of Death, The Joseon Gunman) para contar sua versão da história ao mundo, transformando entretenimento em instrumento de memória e justiça histórica.

FAQ COMPLETO

1. Por que a ocupação japonesa da Coreia foi considerada particularmente brutal? Diferente de outras ocupações, o Japão implementou um apagamento cultural sistemático na Coreia: proibiu o idioma coreano, forçou mudanças de nomes, destruiu patrimônio cultural, implementou trabalhos forçados em massa e estabeleceu o sistema de “mulheres de conforto” – escravidão sexual em larga escala.
2. O que foram as “mulheres de conforto” e por que ainda geram tensões? Foram cerca de 200.000 mulheres (80% coreanas) forçadas à escravidão sexual para soldados japoneses. Muitas sobreviventes não conseguiram retornar às famílias devido ao estigma social confucionista. O Japão nunca se desculpou formalmente, mantendo esta ferida histórica aberta.
3. Como os K-dramas abordam este período histórico? Séries como “Mr. Sunshine” (2018) retratam a resistência coreana, “Hymn of Death” mostra a repressão cultural, e “The Joseon Gunman” explora as causas da vulnerabilidade coreana. Estes dramas servem como soft power para educar audiências globais sobre a história coreana.
4. Por que o Japão não se desculpou formalmente pelos crimes de guerra? Questões políticas internas, orgulho nacional e complexidades diplomáticas regionais impedem desculpas formais satisfatórias. Isso mantém tensões entre Japão, Coreia do Sul e Coreia do Norte até hoje.
5. Qual o impacto dos K-dramas históricos na percepção global da história coreana? Os K-dramas democratizaram o acesso à história coreana, permitindo que a Coreia do Sul conte sua própria narrativa para audiências globais, contrastando com versões históricas dominadas por perspectivas ocidentais ou japonesas.

FONTES E REFERÊNCIAS

• Data histórica: 15 de agosto de 1945 – Libertação da Coreia
• Período de ocupação: 1910-1945 (35 anos de domínio japonês)
• Estatísticas: 200.000 mulheres de conforto (80% coreanas)
• K-dramas citados: Mr. Sunshine (2018), Hymn of Death (2018), The Joseon Gunman (2014), Song of the Bandits
• Plataforma: Netflix (parceria com produções coreanas)
• Contexto histórico: Segunda Guerra Mundial e imperialismo japonês na Ásia
• Movimentos de resistência: Exército dos Justos e outros grupos de resistência coreana (1900-1945)

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Informações do Artigo:

• Tempo de leitura: 4 minutos
• Palavras: 651 palavras
• Caracteres: 4.201 caracteres
• Autora: Mariana Seminati Pacheco

O Nobel de Literatura 2024 para Han Kang não foi acaso, mas resultado de uma estratégia cultural milimetricamente planejada. Descubra como o K-Lit se tornou o mais novo produto da Hallyu, conquistando leitores ocidentais através de soft power, tecnologia e uma indústria cultural ambiciosa que está redefinindo a literatura mundial.

Em 10 de outubro de 2024, a Coreia do Sul comemorava a vitória da autora Han Kang do Prêmio Nobel de Literatura – a primeira sul-coreana, aliás, a receber este prêmio, se tornando um marco para seu país (G1, 2024). Porém, não podemos negar que alcançar o Nobel se deve a um processo de divulgação da literatura sul-coreana, em que cada título escalou a visibilidade entre os leitores e críticos.

A Estratégia por Trás da Hallyu

O sucesso do movimento cultural da Onda Pop Coreana – também conhecida como Hallyu – não é um mero acaso, mas resultado de conexão entre tecnologia e estratégias comunicacionais, onde o soft power circula as redes sociais, conquistando fãs para a Coreia do Sul através dos produtos midiáticos K-Pop, K-dramas, K-food, K-Beauty, K-fashion.

Além disso, a Hallyu é uma grande marca guarda-chuva, onde um produto se conecta com outro. Você está assistindo a um K-drama e logo fica com vontade de comer o mesmo que seu personagem favorito; ou a busca cada vez maior pelo aprendizado do idioma coreano pelos seguidores dessa onda.

O Nascimento do K-Lit

E um novo produto foi recém-nomeado para esta marca: o K-Lit, que representa as obras literárias atuais em expansão de consumo e tradução. A atenção começa por indicação de idols de K-pop – como foi no caso da obra “Amêndoas”, da autora Sohn Won-Pyung, apresentada aos fãs de BTS pelos membros RM e Suga (Veja, 2023) – e depois atrai para leituras mais profundas, como é o caso das obras de Han Kang, vencedora do Nobel, que aborda críticas sociais e históricas da Coreia do Sul.

A Máquina de Tradução Estratégica

Ainda assim, tanto “A Vegetariana” (Han Kang) quanto “Amêndoas” foram trazidas aos leitores ocidentais graças a um trabalho estratégico da indústria cultural sul-coreana, começando pelo escritório KLWave (adjunto do Literature Translation Institute of Korea), que facilita a tradução, publicação e exportação de obras sul-coreanas interessantes ao mercado internacional, apresentando inclusive aquelas disponíveis para aquisição de direitos de publicação para editores internacionais através do seu portal digital.

Ou seja, há mais uma força pelo Ministério de Cultura, Esporte e Turismo da Coreia do Sul em promover uma onda pop literária – e até o momento, tem sido um plano bem-sucedido, como foi possível ver no stand da editora Rocco na Bienal do Livro de 2024 em São Paulo: a editora, que sempre reforçava sua relação com os títulos de Harry Potter, mudou totalmente para colocar seus compradores na livraria de “Amêndoas”. Uma pequena demonstração de que o mercado editorial também está sentindo esse tsunami, e não pode deixar de surfar nele.

Além do Capital Simbólico

Mas, além do capital simbólico da literatura sul-coreana, que vem querendo se colocar como dominante e competitiva em regiões distantes (Salgado; Doretto, 2022), o K-Lit também tem aberto possibilidades de outros pontos de vista para o público, desde um alívio diário em livros do gênero de Conforto ou Cura, até recontar e visibilizar o passado pelos romances históricos. E, com isso, cada vez mais o público respeita e reconhece a identidade sul-coreana e seu estilo de escrita singular e acessível para o mundo.

E a vitória do Nobel de Literatura foi apenas um exemplo de quão ambiciosa a indústria cultural sul-coreana tem sido em seu investimento na exportação e reconhecimento deste produto K-Lit. É a construção milimetricamente planejada da imagem intelectual do país, influenciando sobre a identidade nacional projetada fora de casa, revisando o passado e conquistando o presente.

Continuemos de olho para ver o que o futuro guarda para a Coreia do Sul – particularmente, creio que apenas começamos a ver o melhor do país asiático e ainda há muito para descobrir e ler.

Principais Pontos do Artigo:

• Nobel de Han Kang resultado de estratégia cultural planejada, não acaso isolado • Hallyu funciona como marca guarda-chuva conectando K-Pop, K-dramas e agora K-Lit
  • Idols do BTS (RM e Suga) impulsionaram sucesso de “Amêndoas” no Ocidente • KLWave e Ministério da Cultura sul-coreano facilitam tradução e exportação estratégica • Mercado editorial brasileiro já sente impacto, como demonstrado na Bienal 2024

Perguntas Frequentes (FAQ)

1. O que é K-Lit e como se relaciona com a Hallyu? K-Lit representa as obras literárias sul-coreanas em expansão global, sendo o mais novo produto da Hallyu (Onda Pop Coreana). Funciona como marca guarda-chuva conectada ao K-Pop, K-dramas e outros produtos culturais coreanos.
2. Como os idols do K-Pop influenciam o sucesso literário? Idols como RM e Suga do BTS recomendam livros aos fãs, criando interesse inicial. O caso de “Amêndoas” exemplifica como essa indicação gera curiosidade que depois se expande para leituras mais profundas.
3. Qual o papel do governo sul-coreano na promoção do K-Lit? O Ministério de Cultura, Esporte e Turismo, através do KLWave (Literature Translation Institute of Korea), facilita tradução, publicação e exportação estratégica de obras para mercados internacionais.
4. Como o mercado editorial brasileiro tem reagido ao K-Lit? A Bienal do Livro 2024 mostrou editoras como a Rocco mudando estratégias, priorizando títulos coreanos como “Amêndoas” em vez de focar apenas em sucessos tradicionais como Harry Potter.
5. Que tipos de literatura o K-Lit oferece além dos sucessos conhecidos? O K-Lit abrange desde livros de “Conforto ou Cura” para alívio diário até romances históricos que recontam e visibilizam o passado sul-coreano, oferecendo perspectivas diversificadas.

Fontes e Referências:

1. G1 (2024) – Cobertura do Nobel de Literatura para Han Kang
2. Revista Veja (2023) – Matéria sobre influência do BTS na literatura
3. Salgado; Doretto (2022) – Estudos sobre capital simbólico da literatura sul-coreana
4. KLWave – Literature Translation Institute of Korea

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As bombas de Hiroshima e Nagasaki foram noticiadas avidamente em 1945, mas ainda hoje as feridas causadas pelo imperialismo japonês na Ásia como um todo são faladas em tom baixo, sem tanta visibilidade ou importância. Porém, a Coreia do Sul luta para trazer à lembrança mundial seu passado, especialmente um assunto delicado: as chamadas mulheres de conforto – que, na verdade, poderiam ser meninas de conforto.

O caso das mulheres de conforto só foi exposto ao mundo quando uma ocidental contou que havia sido uma das vítimas, em 1992: Jan Ruff O’Herne, de origem holandesa, vivia na Indonésia quando a região foi ocupada, e ela foi capturada para ser uma das tantas mulheres violentadas pelo exército japonês em prostíbulos de guerra. Antes disto, aquelas mulheres coreanas e asiáticas estupradas foram silenciadas – em 1991, a coreana Kim Hak-Sun já havia dado seu depoimento sombrio, mas foi taxada como oportunista.

De fato, as mulheres de conforto são uma ferida nunca cicatrizada para a Coreia, sendo repetidamente cutucada para não ser esquecida, e um espinho na carne para o Japão, que prefere abafar ao máximo esta discussão. E a literatura é um dos espaços que permite não apenas abordar tal temática com a sensibilidade necessária para o mundo. Prova disso é a obra “Herdeiras do Mar”, da autora de diáspora Mary Lynn Bracht, sendo ela norte-americana, mas descendente de coreanos.

A obra recebe este nome por contar a história de uma haenyo (해녀), nome dado para as mergulhadoras da ilha de Jeju, na Coreia, que, em suas técnicas tradicionais de mergulho para suportar águas frias para pescar moluscos, são símbolos de independência, força e determinação. Porém, nem isso as poupou de serem também vítimas dos homens japoneses no período da 2ª Guerra Mundial. E isso é demonstrado por Hanna, a filha mais velha de uma família de pescadores de Jeju, que, para salvar sua irmã mais nova, é capturada pelos soldados do Japão e levada para ser escrava sexual aos dezesseis anos.

Porém, ao mesmo tempo que a história percorre o passado pelo que Hanna passa enquanto mulher de conforto, também traz o presente daqueles que viveram com um buraco em sua família – já que muitas mulheres de conforto, após o fim da guerra, foram simplesmente abandonadas, sem ter para onde voltar, já que foram desonradas através do estupro, ou mortas no processo de violência sexual e guerra –, através da narrativa da irmã Emi, a mais nova, que escapa, e continua a procurar o paradeiro de Hanna após tantos anos.

Desta forma, temos contato tanto com o que aconteceu com essas meninas abusadas e feridas fisicamente, mentalmente, moralmente e socialmente, quanto com as consequências deixadas para trás quando o Japão foi derrotado e nunca assumiu seus atos durante a invasão à Coreia, como as famílias que nunca souberam o que houve com suas filhas. E o peso da leitura é equivalente ao da história, somado à sensibilidade das personagens Hanna e Emi, onde uma se sacrificou para poupar a outra, e a sobrevivente nunca pôde agradecer sua irmã.

É uma leitura emocionante e extremamente forte, que mexe com os leitores e nos faz pensar sobre o quanto sabemos e realmente nos importamos com os crimes de guerra nunca julgados corretamente. As vítimas que continuam vivas ainda esperam o reconhecimento do que viveram e um perdão oficial que possam aceitar. E no rosto das senhoras, agora enrugados, as meninas de conforto lutam para não serem novamente abandonadas, pois “não se pode mudar o passado. O presente é tudo o que lhe resta”. E a voz que a literatura entrega, sempre.

Por MARIANA PACHECO

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